22-10-2023
История театра в США начинается со времени заселения Североамериканского континента, однако основное развитие драматического искусства приходится на колониальный период и основывается на западноевропейских театральных традициях[1]. Современный американский театр представлен нью-йоркским Бродвеем и множеством региональных театральных трупп разных стилей и направлений, профессионально занимающихся этим видом искусства.
До основания в 1607 году первого английского поселения театр на территории современных Соединённых Штатов был представлен испанской драмой и театрализованными представлениями индейских племён[1]. Рождение американского профессионального театра, по-видимому, связано с именем Льюиса Холлема, театральная труппа которого прибыла в Уильямсбург (Виргиния) в 1752 году. Первое здание театра в Уильямсбурге было построено в 1716 году, а в январе 1736 года в Чарльстоне (Южная Каролина) открылся театр на Док-стрит, однако Холлемы были первыми, кто собрал в Европе профессиональную труппу и отправил её в Северную Америку.
Публике представили репертуар, состоящий из популярных в то время пьес: «Гамлет», «Отелло», «Офицер-вербовщик» и «Ричард III». Первым спектаклем, премьера которого состоялась 15 сентября 1752 года, стал «Венецианский купец» Уильяма Шекспира[2]. Встретив противодействие со стороны религиозных организаций, Холлем вместе с труппой был вынужден покинуть материк, направившись на Ямайку в 1754 или 1755 году. Вскоре после этого сын Холлема, Льюис Холлем-младший организовал труппу American Company и открыл театр в Нью-Йорке. В 1767 году он подготовил первую профессиональную американскую постановку — пьесу The Prince of Parthia, написанную американцем Томасом Годфри[3].
В XVIII веке несколько штатов приняли законы, запрещающин театрпльные представления: Массачусетс в 1750, Пенсильвания в 1759, Род-Айленд в 1761. Во время Войны за независимость США театры были закрыты в большинстве штатов по требованию Континентального конгресса[2]. Но несмотря на подобные ограничения некоторые авторы продолжали сочинять пьесы. Вероятнее всего, первые американские пьесы были созданы эмигрантами из Европы: известны оригиналы, написанные испанцем, французом и англичанином, самая ранняя датировка которых относится к 1567 году, однако первым опубликованным произведением является Androboros, опубликованный Робертом Хантером в 1714 году. Таким образом, в ранней истории театра Америки большинство новых пьес приходило из Евроры, и только The Prince of Parthia Годфри в 1767 году становится чисто американским произведением. Оно, однако, стало вынужденной заменой для комической оперы The Disappointment; or, The Force of Credulity, а первым произведением, в котором основательно затрагивалась американская тема, была пьеса Роберта Роджерса Ponteach; or, the Savages of America, опубликованная в Лондоне годом ранее[4] . Зимой 1777–78 годов для войск Джорджа Вашингтона в долине Форж исполнялась пьеса Cato.
Период Американской революции стал благодатным для драматургов. Политические дебаты являлись плодородной почвой как для сатиры, которую можно найти в работах Мерси Отис Уоррен и полковника Роберта Манфорда, так и для героических пьес, как например произведения Хью Генри Брекенридж. По окончании войны за независимость началось зарождение американской социальной комедии, например, в пьесе Ройялла Тайлера The Contrast, впервые показавшем характерного персонажа — янки, носившего в этом произведении имя Джонатан. Но до драматурга Уильяма Данлэпа профессиональных авторов Америке не было. Данлэп, чья работа была связана с написанием пьес, переводами, управлением и историографией театра, заслужил титу «Отца американской драмы». Помимо перевода пьес Августа фон Коцебу и французских мелодрам, Данлэп создавал театральные произведения различных стилей, лучшими среди которых стали André и The Father; or, American Shandyism[4].
Старейшим театром в Америке считается «Уолнат-стрит», или просто "The Walnut", расположенный на Уолнат-стрит в Филадельфии. Он был основан в 1809 году Цирком Пепина и Бресчарда. Первая театральная постановка в его стенах, The Rivals, состоялась в 1812 году. Среди посетителей театра были президент Томас Джеффеосон и мааркиз де Лафайет[5].
Провинциальные театры часто испытывали недостаток в декорациях и бутафории. Одновременно с расширением страны на запад некоторые антрепренёры направляли на новые территории плавучие театры, построенные на баржах или речных судах. Эти театры путешествовали из города в город, подолгу задерживаясь в тех из них, которые могли оплатить несколько представлений. В 1841 году рекордным стало представление, державшееся на сцене в течение трёх недель.
Привычными среди постановок были произведения Уильяма Шекспира. Американские пьесы этого периода в основном составляли меложрамы, знаменитым примером которых может служить «Хижина дяди Тома», написанная Джорджем Айкеном на основе одноимённого романа Гарриет Бичер-Стоу.
В 1821 году Уильям Генри Браун основал в Нью-Йорке African Grove Theatre. Это была третья попытка создать негритянский театр, и самая успешная. Труппа играла пьесы Шекспира, но среди них была поставлена и первое произведение, написанное чернокожим американцем — The Drama of King Shotaway. В 1823 году театр закрылся[6]. В целом негритянский театр в Америке был практически незаметен, только в 1858 получила известность пьеса The Escape; or, A Leap for Freedom, написанная освобождённым рабом Уильямом Уэллсом Брауном. После этого значимые произведения появились только в 1920-х годах во время Гарлемского ренессанса[6].
Популярной формой театрального искусства XIX века были менестрель-шоу, в которых загримированные под негров белые актёры (иногда, особенно после окончания гражданской войны — настоящие негры) разыгрывали комические сцены из жизни негров, а также исполняли стилизованную музыку и танцы африканских невольников. Представления, часто пародировавшие популярные спектакли и мюзиклы, были наполнены расовыми стереотипами и расистскими шутками.
В течение XIX века театральная культура ассоциировалась с гедонизмом и даже насилием, а актёры, особенно женщины, ставились чуть выше, чем проститутки. Джесси Бонд в середине XIX века писала: «Театр был в упадке, елизаветиеская злава и георгианские условности как будто остались в прошлом, высокопарная трагедия и вульгарный фарс — вот из чего должен был выбирать театрал, театр превратился в место с ужасной репутацией»[7]. 15 апреля 1865 года, всего через неделю после окончания Гражданской войны в США, Авраам Линкольн был убит в театре Форда в Вашингтоне во время спектакля. Убийцей оказался имевший национальную известность актёр Джон Уилкс Бут.
Бурлеск, театральная комедия непристойной формы, пародирующая высокую культуру и искусство, пришел в США из Англии около 1860 года, превратившись в вид фарса, в котором женщины переодевались мужчинами и исполняли номера на злободневные темы политики и культуры. Бурлеск критиковали выраженную сексуальность и откровенные тексты, что выдавило его из общественных театров в салоны и бары. Продюсеры-женщины уступили место мужчинам, которые меньше затрагивали политику и больше эксплуатировали грубую сексуальность. В конце концов, шоу трансформировалось в достаточно невинное развлечение, в котором симпатичные девушки в открытой одежде пели песни, а мужчины-комики выступали с похабными шутками.
Американская драма в период перед гражданской войной носила вторичный характер, повторяя европейские мелодрамы и романтические трагедии, добавляя к ним национального колорита, апеллируя к американскому национализму и представляя интерпретацию текущих событий. Драматурги были ограничены в выборе тематики необходимостью обеспечить постановкам прибыльность, а значит, удовлетворяя относительно низкому вкусу. Отсутствие законов о защите интеллектуальной собственности являлось ещё одним ограничивающим развитие драматургии фактором. Лучше стратегией в это время являлось сочетать написание пьес с их исполнением или владением театром — по образу таких театральных деятелей, как Джон Говард Пэйн, Дайен Бусико и Джон Бругхэм. Популярными типажами этого периода были янки, негр, индеец, воплощение которых можно найти в брате Джонатане, Самбо и Метаморе. Одновременно с притоком иммигрантов увеличилось число пьес об ирландцах и немцах; наряду с этим затрагивались темы трезвости и католицизма Также завоевали популярность произведения о продвижении на Запад (в том числе о мормонизме) и правах женщин. Среди лучших произведений этого периода были Superstition; or, the Fanatic Father Джеймса Нельсона Баркера, Fashion; or, Life in New York Анны Коры Моуэтт, Putnam, the Iron Son of '76 Натаниэля Баннистера, The Octoroon; or, Life in Louisiana Дайена Бусико и Witchcraft; or, the Martyrs of Salem Корнелиуса Мэтьюса[4].
В период Реконструкции Юга театры северных штатов испытывали послевоенный бум, что увеличило число и длительность постановок. Внедрение железнодорожного транспорта позволило театральным труппам вместе с декорациями легко перемещаться между городами, что привело к упадку небольших провинциальных театров. Изобретение электрического освещения также привело к изменениям в обустройстве театра: улучшению оформления сцены, обновлению внутреннего дизайна и зрительских рядов.
В 1896 году Чарльз Фроман, Эл Хейман, Эйб Эрлангер, Маркус Клау Сэмьюэл Ф. Флендерсон и Фред Циммерман организовали Театральный синдикат, который взал под контроль продажи билетов и подбор актёров на всей территории Соединённых Штатов. Монополия продержалась до начала XX века, когда у неё появился конкурент — агентство The Shubert Organization, созданное братьями Шуберт.
Для драматургов послевоенный период ознаменовался повышением уровня доходов и общественного уважения (в том числе и со стороны профессиональных критиков). По-прежнему популярными оставались мелодрамы и фарсы, а поэтические драмы и романтизм сошли на нет в связи со стремлением публики к реализму, который нашёл своё место в серьёзных драмах, мелодрамах и комедиях. Однако американский реализм имел отличия от европейского реализма Генрика Ибсена: это было сочетание сценического реализма с менее романтизированным восприятием жизни, соответствующим культурным потрясениям этого периода. Наиболее амбициозным сторонником реализма стал Джеймс Херн, вдохновлённый идеями Ибсена, Харди и Золя. Его главным достижением стала пьеса Margaret Fleming, созданная в соответствии с принципами, изложенным в эссе Херна "Art for Truth's Sake in the Drama". Несмотря на то, что Margaret Fleming не понравилась ни публике, ни критикам: зрители посчитали, что автор уделяет слишком много внимания неблаговидным темам и представляет неприемлемые сцены, например, Маргарет на сцене кормит грудью внебрачного ребёнка — в других формах он завоевал признание. Примерами удачных реалистических пьес могут служить мелодрама Under the Gaslight Августина Дейли и Shenandoah Бронсона Говарда. Среди других ключевых драматургов этого периода — Дэвид Беласко, Стили Макей, Уильям Дин Хоуэллс, Дайен Бусико и Клайд Фитч[4].
В конце XIX — начале XX века в Америке зародился новый жанр искусства — водевиль. Это театрально-эстрадное представление, состоящее из нескольких не связанных между собой номеров, оказало сильное влияние на ранние фильмы, радиопостановки и телевидение США. Своей формой этот жанр обязан американской традиции использовать антракты обычных спектаклей для коротких выступлений певцов и других исполнителей. Одним из долгожителей театральной сцены, начавший свою карьеру в водевиле и остававшийся в строю до 1990-х годов, был комик Джордж Бёрнс.
Некоторые театры водевиля, построенные между 1900 и 1920 годами никогда не меняли профиля деятельность, но многие прошли через периоды использорвания в других целях, как правило, в виде кинотеатров. Однако во второй половине XX века, со сниженим численности населения городов и появлением в пригородах мультиплексов, часть зданий снова стали использоваться для живых представлений.
Традиционный театр в США в начале XX века, как и в Европе, стал сложнее. Таких театров в стране насчитывалось 1752. Актёры этого периода, например, Этель Берримор или Джон Дрю, иногда считались важнее, чем спектакль, в котором они участвовали. Появление кинематографа вызвало многочисленные изменения и в театре. Возросла популярность мюзиклов, вероятно, в какой-то степени из-за того, что кино демонстрировалось без звука и не могло конкурировать с музыкальными театральными постановками, пока в 1927 году на экраны не вышел звуковой фильм «Певец джаза». В этот период расцветает сложная и глубокая драма, исполнение роли становится более сдержанным. Но уже с 1915 года актёры начинают переходить в кино, а водевиль сталкивается с жёсткой конкуренцией со стороны фильмов.
Начало XX века традиционный театр встретил с прежней приверженностью реализму и дальнейшим совершенствованием драмы. Примерно в 1900 году также было отмечено возрождение поэтической драмы, что соответствовало всплеску внимания к жанру в Европе (Йейтс, Метерлинк, Гауптман). Наиболее заметным примером этого направления был спекталь «Библейская трилогия» Уильяма Вона Мооди, который одновременно отразил рос интереса к спектаклям на религиозные темы, ранее поднятым в произведениях «Бен Гур» (1899) и двух версиях романа «Камо грядеши» (1901). Однако известность Мооди принесли другие пьесы: The Great Divide (1906), позднее трижды экранизированная, и The Faith Healer (1909), совместно определившие направление развития современной американской драматургии с акцентом на эмоциональном конфликте, лежащем в основе конфликта социального. Среди других ключевых драматургов этого периода были (в дополнение к Хоуэлсу и Фитчу) Эдвард Шелдон, Чарльз Ранн Кеннеди и один из самых успешных женщин-драматургов америки — Рэйчел Крозерс, которая вывела на сцену чисто женские вопросы, как например в пьесе He and She (1911)[4].
В период между двумя мировыми войнами американская драматургия достигла зрелости, в постановках стали использоваться различные комбинации стилей от натурализма до экспрессионизма, что вдохновила драматургов на создание произведений с большей свободой способов выражения идей. Другим, отличным от первого, направлением развития стали фолклорные и местечковые эксперименты и возвращение поэтической драмы. Одновременно появляются протестные и моралистсчкие произведения. Вместе с искусством идёт развитие и театральной критики, появляется множество книг и журналов, посвящённых американскому театру[4].
В первые 20 лет XX века в музыкальном театре доминировали ревю, состоящие из несвязанных друг с другом вокальных, комедийных и танцевальных номеров. Впоследствии мюзиклы преодолели этот формат и перешли к сюжетным постановкам. Одним из первых спектаклей в новом формате стал Show Boat с музыкой Джерома Керна и либретто Оскара Хаммерстайна. Наряду с песнями, в нём имелись немузыкальные сцены, благодаря которым разрабатывался сюжет. Следующим крупным шагом вперёд стал первый мюзикл «Оклахома!», либретто которого написал Оскар Хаммерстейн, а музыку — Ричард Роджерс. Серьёзный драматический сюжет был воплощён с помощью музыки и танцев.
Наряду с профессиональными коллективами в США выступали и актёры-любители. 18 апреля 1884 года в Нью-Йорке был основана компания The Amateur Comedy Club, Inc. (ACC), которую создали семь человек, покинувших Madison Square Dramatic Organization, общественно значимую организацию, во главе которой стояли мисси Джеймс Браун Поттер и Дэвид Беласко. Первое представление ACC дало 13 февраля 1885 года. С тех пор эта группа выступает без перерыва до настоящего времени, что делает её старейшим театральным сообщество США. Среди известных ньюйоркцев, входивших в сообщество, были Теодор, Фредерик и Джон Стейнвеи, производители фортепиано; Гордон Грант, маринист; Кристофер Ла Фарж, архитектор; Ван Х. Картмелл, издатель; Альберт Стернер, художник; Эдвард Фэйлс Кауард, театральный критик и драматург. Элзи де Вольф, ставшая впоследствии первым профессиональным декоратором, играла в спектаклях клуба в первые годы XX века, как и Хоуп Уильямс, у которой брала уроки Кэтрин Хепбёрн. Джулия Харрис состояла в клубе в 1940-х. Директорами клуба в разное время Чарльз Коберн, Герьерт Доули, Джордж Ференц, Уолтер Гриза, Джозефин Халл, Говард Линдсей, Джин Локхарт, Пристли Моррисон, Рут Роусон, Майде Рили, Хосе Рубен, Джанет Хейс Уокер и Монти Вули.
Значительные социальные изменения, произошедшие во времена Великой депрессии повлияли и на театральную жизнь Соединённых Штатов. Театры стали выполнять общественную роль, привлекая в ряды актёров иммигрантов и безработных. Федеральный театральный проект (англ. Federal Theatre Project) в рамках программы «Новый курс» президента Франклина Рузвельта способствовал популяризации театров и созданию рабочих мест для актёров. Благодаря этой программе на сцене появились многие необычные и противоречивые пьесы, в том числе «У нас это невозможно» Синклера Льюиса и мюзикл The Cradle Will Rock Марка Блицштейна. В противоположность этому легендарный продюсер Брок Пембертон, основатель премии Тони считал, время как никогда ранее способствует комедийным постановкам, которые помогут забыть о суровых социальных условиях. Типичным примером воплощения этой позиции была комедия Personal Appearance (1934), написанная Лоуренсом Райли и выдержавшая 501 представление на Бродвее.
Годы между мировыми войнами были эпохой контрастов. Вершиной серьёзного искусства стали пьесы Юджина О’Нила, посвящённого событиям в мире на пороге Второй мировой войны. За свои произведения О’Нил был удостоен трёх Пулитцеровских премий (1920, 1922, 1928) и Нобелевской премии по литературе (1936).
1940 год стал переломным для афро-американского театра. Фредерик О’Нил и Абрам Хилл основали American Negro Theater, самый известный негритянский театр 1940-х годов. Труппа выступала на маленькой сцене в подвале гарлемской библиотеки, большинство пьес писали чернокожие сценаристы, такими же были и зрители. Среди произведений были Natural Man (1941) Теодора Брауна, Walk Hard (1944) Абрама Хилла и Garden of Time (1945) Оуэна Додсона. В этом театре делали первые шаги в карьере такие известные актёры, как Гарри Белафонте, Сидни Пуатье, Элис и Элвин Чилдресс, Осцеола Арчер, Руби Ди, Эрли Хаймен, Хильда Симмс[8].
После Второй мировой войны американский театр окончательно сформировался. Американские драматурги, такие как Артур Миллер и Теннесси Уильямс, обрели мировую известность. Послевоенное поколение драматургов укрепило позиции, достигнутые в предыдущий период.
В 1950-1960-х года экспериментальное искусство достигло театра, и на сцене появились такие спектакли как «Волосы», имевший обнажёные сцены и ссылки на культуру употребления наркотиков. В 1960-х годах нашли дорогу к зрителю авангардные пьесы Джека Ричардсона, Артура Копита, Джека Гелбера и Эдварда Олби. Афро-американский театр также стал более зрелым, на передний план вышли такие авторы как Лорейн Хенсберри, Джеймс Болдуин и Амири Барака[4].
Мюзиклы сохранили привлекательность, а их лучшие экземпляры: «Вестсайдская история» и «Кордебалет» — били прежние рекорды популярности. Одновременно такие постановки, как мюзикл Company Стивена Сондхайма, начали отходить от классической формы, отказываясь от линейности сюжета и реалистичного антуража в пользу исследования внутреннего мира героев. Сондхайм создал мюзикл Follies, который был пастишем бродвейских ревю «Безумства Зигфелда»; выпустил Pacific Overtures, взяв за основу традиции японского театра кабуки; и, наконец, представил публике Merrily We Roll Along, выстроив сюжет в обратном порядке. В соответствии с теми же принципами, Боб Фосс в мюзикле Чикаго обратился к водевильным истокам жанра. Другими известными фигурами мюзикла были Ричард Адлер, Джерри Бок, Мередит Уилсон[4].
Начиная с середины 1960-х годов, с принятием законов о гражданских правах, снова, как и в 1930-е годы, возрастает количество произведений, посвящённых текущим событиям. Большинство крупных драматургов середины века продолжают плодотворно работать, но к ним присоединяются новые авторы, включая Сэма Шепарда, Нила Саймона, Ромулуса Линнея, Дэвида Рабе, Лэнфорда Уилсона, Дэвида Мэмета и Джона Гуэйра. Появляется множество талантливых драматургов-женщин: Бет Хенли, Марша Норман, Венди Вассерстейн, Меган Терри, Паула Фогель и Мария Ирен Форнес. Восстановление гордости этнических меньшинств приводит к появлению драматургов из этой среды, в том числе, черногожего автора Огаста Уилсона, рассказавшего историю США в нескольких пьесах, составивших The Pittsburgh Cycle, по одной на каждое десятилетие XX века. Азиаский театр в Америке представлен в 1970-е годы Фрэнком Чином, а мировую известность получает благодаря пьесе M. Butterfly Дэвида Генри Хвана. Латиноамериканский театр вырос из перфомансов Луиса Вальдеза в Teatro Campesino до серьёзных работ, вроде Zoot Suit, а впоследствии достигнув и национальной славы с произведениями, получившими литературные и театральные награды. Среди этих авторов — Нило Круз, Хозе Ривера, Мигель Пиньеро, а наиболее успешным примером можно назвать мюзикл о доминиканцах в Нью-Йорке In the Heights, награждённый премией «Тони». Наконец, борьба за права сексуальных меньшинств и кризис СПИДа привел к появлению в театрах постановок значимых представителей данных групп, включая Тони Кушнера, мюзикл которого Angels in America, был удостоен премии «Тони» дважды за два последовательных года, и Джонатана Ларсона, композитора и либретиста мюзикла Rent, не сходящего со сцены более 20 лет[4].
В конце 1990-х и начале 2000-х годов американский мюзикл обратился к кинематографическим и оперным сюжетам. Джули Теймор, режиссёр мюзикла «Король-лев» поставила на сцене Метрополитен-опера «Волшебную флейту». Бродвейские постановки заимствовали несколько сюжетов Уолта Диснея: «Мэри Поппинс», «Тарзан», «Русалочка» — а начало этой практике положил мюзикл «Красавица и чудовище», который в 1990-е годы, можно сказать, вдохнул в Таймс-сквер новую жузнь. Также на фильмах были основаны постановки Мела Брукса «Продюсеры» и «Молодой Франкенштейн».
Ранние формы театрального искусства, такие как менестрель-шоу и водевиль, со сцены исчезли, но сам театр в начале XXI века остается популярным видом искусства. Миллионы театральных зрителей ежегодно посещают бродвейские постановки, которые становятся сложнее и затратнее. В то же время театр становится площадкой для самовыражения, местом, где локальные группы могут проводить личностные исследования и поиски дентификации. Примером одной из таких групп может являться театральная труппа East West Players, объединившая в 1965 году американцев, имеющих азиатское происхождение. Среди значимых драматургов современности можно назвать Эдварда Олби, Огаста Уилсона, Тони Кушнера, Дэвила Генри Хвана, Джона Гуэйра и Венди Вассерстейн. Небольшие городские театры определили себя как источник инноваций, а региональные оставили за собой роль крупных центров театральной жизни. Драму преподают в старшей школе и колледжах, чего не было в предыдущие периоды. Благодаря этому интерес к театру просыпается у большего числа людей.
История театра в США.
