30-09-2023
История архитектуры — наука, исследующая функциональное, конструктивное и эстетическое развитие архитектуры во времени и пространстве в соответствии с социальными потребностями и научно-техническими условиями.
История архитектуры является отдельной самостоятельной наукой одновременно исторического и теоретического профилей. Эта её особенность обусловлена спецификой предмета — истории возникновения и развития архитектуры, теоретических знаний об архитектуре, архитектурного языка, архитектурной композиции, а также наблюдение таких общих черт и признаков архитектуры определённого времени и места, которые позволяют выделить архитектурные стили.
Архитектурный стиль может определяться, как совокупность основных черт и признаков архитектуры определённого времени и места, проявляющихся в особенностях её функциональной, конструктивной и художественной сторон (назначение зданий, строительные материалы и конструкции, приёмы архитектурной композиции). Понятие архитектурного стиля входит в общее понятие стиля как художественного мировоззрения, охватывающего все стороны искусства и культуры общества в определённых условиях его социального и экономического развития, как совокупности главных идейно-художественных особенностей творчества мастера.
Развитие архитектурных стилей зависит от климатических, технических, религиозных и культурных факторов.
Хотя развитие архитектуры напрямую зависит от времени, не всегда стили сменяют друг друга последовательно, известно одновременное сосуществование стилей как альтернативы друг другу (например, барокко и классицизм, модерн и эклектика, функционализм, конструктивизм и ар-деко)[1].
В то же время стиль как описательное средство обладает рядом принципиальных недостатков.
Несмотря на указанные недостатки, архитектурный стиль как описательное средство является частью научного метода истории архитектуры, поскольку позволяет проследить глобальный вектор развития архитектурной мысли.
Эпоха палеолита соответствует периоду около 35 - 10 тыс. до н. э.
Зарождение искусства восходит к первобытной эпохе, когда человек впервые попытался отразить свои представления об окружающем мире в искусстве, что способствовало закреплению и передаче знаний и навыков, возникновению ещё одной формы общения между людьми. Согласно данным археологов, в эпоху палеолита появились появились основные виды изобразительного искусства (скульптура, живопись, графика).
В первобытном обществе художественная деятельность человека была неразрывно связана со всеми существовавшими формами духовной и материальной культуры: мифологией, религией, бытовым укладом.
Изображения, созданные рукой первобытного человека, являются звеном единой цепи художественно-религиозно-театрального магического действа, отражающего единство материальной и духовной культуры человека той эпохи. Ранние рисунки примитивны: это контурное изображение голов животных, оттиски человеческой руки, волнистые линии, выдавленные в сырой глине пальцами руки (так называемые «макароны»). Более поздние изображения эпохи палеолита — это рисунки животных того времени (оленей, лошадей, мамонтов, бизонов), выполненные на стенах и потолках пещер.
Древнейшие статуэтки животных отличаются точным изображением: жизнь заставляла человека-охотника подробно изучать характер животного, его повадки. Эти знания представляли собой практическую ценность. Себя же человек ещё не познал, поэтому скульптурные изображения человека очень схематичны, условны. Таковы первобытные «венеры» (Венера из Виллендорфа), простейшие женские фигуры с непропорциональными конечностями, гипертрофированными материнскими чертами и отсутствием черт человеческого лица.
Правильно воспринимая отдельные предметы, человек ещё не охватил общую картину мира и не осознал в ней своё место.
Мезолит - среднекаменная эпоха, период между палеолитом и неолитом, с вариантами датировок от 15 до 6 тыс. лет до н. э.
Живописные изображения мезолитической эпохи стали более красочными. Появились многофигурные композиции, отражающие динамические сцены охоты, сражений между племенами, бытовой деятельности.
Человек делает первые попытки раскрыть взаимосвязи мироздания, освоить общие закономерности жизни.
Неолит - новый каменный век, 10 тыс. лет до н.э — 3300 лет до н. э., в Средней Европе 5500 лет до н. э. — 2200 лет до н. э.
Неолит обогатил изобразительное искусство созданием произведений монументальной антропоморфной (человекообразной) скульптуры (например, так называемые «каменные бабы» Северного Причерноморья).
Характерная черта культуры неолита — распространение мелкой пластики, художественных ремёсел, которые положили начало декоративному искусству.
Бронзовый век начинается с 3300 лет до н. э., в Средней Европе — около 1 тыс. лет до н. э.
В эпоху бронзы преобладающее значение получает архитектура, названная мегалитической (то есть архитектура больших камней). К мегалитическим сооружениям относятся: менгиры, дольмены, кромлехи. Возникновение их связано с развитием религиозных представлений.
Каменные столбы — менгиры — высотой до 20 м (например, Карнакские камни в Бретани (Франция), Зорац-Карер (Армения)) несут в себе черты архитектуры и скульптуры.
Архитектурное начало сильнее всего выражено в дольменах. Это погребальные или культовые сооружения из двух-четырёх вертикально стоящих плит, перекрытых горизонтальной плитой (имеются опоры и перекрытия — основные составляющие архитектурной постройки). Дольмены широко распространены в Западной Европе, в Северной Африке, в Крыму.
Кромлех — более сложная мегалитическая постройка. Самый грандиозный из них находится в Стоунхендже (графство Уилтшир Англия, 2 тыс. до н. э.). В плане это круглая площадка диаметром в 30 метров, замкнутая кольцами вертикально стоящих камней, перекрытых плитами. Архитектурный замысел кромлеха прост, но исполнен символического смысла. Возможно, это была культовая постройка, посвящённая солнцу[2].
Также к культуре бронзового века принято относить архитектуру достаточно развитых цивилизаций, например, Эгейской цивилизации, о которой будет сказано ниже.
Железный век на территории Ближнего и Среднего Востока приходится на период 1200 лет до н. э. — 600 лет до н. э., в Средней Европе — 800 лет до н. э. — 600 лет н. э.
К культурам железного века относят, согласно классификации М. Б. Щукина, «культурные миры» народов Евразии вплоть до Великого переселения народов. Железный век завершается с появлением государства и права.
На протяжении додинастического периода Египет состоял из отдельных государств — номов во главе с номархами, враждовавшими между собой.
Для искусства додинастического периода характерно высокое мастерство обработки камня. Обнаруженные в погребениях шиферные таблички для растирания красок, украшенные рельефным изображением, расписные глиняные сосуды позволяют судить о тематике, разрабатываемой египетскими мастерами. Это исторические события, военные походы, заупокойные обряды. Важное место завоёвывает образ человека. Складываются основные каноны изображения человеческой фигуры: широкие и сильные плечи разворачиваются в фас, ноги и голова — в профиль. Значительность властелина подчёркивается размерами его изображения, намного превосходящими изображение других персонажей, как, например, в рельефе шиферной плиты фараона Нармера (ок. 3 тыс.лет до н. э., Каир, Египетский музей).
После объединения Египта в единое государство в конце IV — начале II тыс. лет до н. э. начинается расцвет египетского искусства.
В эпоху Древнего Царства в Египте появляется новый тип гробниц — ступенчатая пирамида. Первая такая пирамида построена для фараона Джосера зодчим Имхотепом (история сохранила имя мастера, что является скорее исключением, чем правилом для той эпохи) в XXVIII в. до н. э. К этому же столетию относится и возведение известных пирамид фараонов Хеопса (Хуфу), Хефрена (Хафры) и Микерина (Менкаура) в Гизе.
Самая грандиозная из них — пирамида Хеопса — построена под руководством архитектора Хемиуна. Её высота около 150 м, и сложена она из 2 млн. 300 тыс. блоков.
Каждая из пирамид представляет в плане квадрат, а её рёбра образуют равнобедренные треугольники.
Непременными атрибутами египетских храмов и усыпальниц были статуи фараонов, знати, придворных писцов, выполненные в соответствии со строгими канонами (правилами), чего требовало культовое назначение статуй. люди изображались в спокойных, как бы застывших в веках позах (это либо стоящая, либо фронтально сидящая фигура). Примерами могут служить статуя писца Каи (сер. 3 тыс. до н. э., Париж, Лувр), выполненная из известняка, парный скульптурный портрет принца Рахотепа и его жены Нофрет (нач. 3 тыс. до н. э., Каир, Египетский музей).
Многочисленные войны Древнего Царства привели к ослаблению государственной и экономической мощи страны.
Прекращается строительство дорогостоящих пирамид. Ведётся поиск новых типов храмов и усыпальниц.
Первым памятником нового типа стал храм-усыпальница Ментухотепа II в Дейр-эль-Бахри (XXI в. до н. э.), положивший начало крупным храмовым ансамблям более позднего времени.
Росписи гробниц и храмов приобретают большую самостоятельность. В гробнице Хнумхотепа в Бени-Хасане были созданы одни из самых замечательных росписей в искусстве Среднего Царства, изображающие сцены охоты.
Повышается внимание к индивидуальным чертам портретируемого, что проявилось в портретах фараонов Сенусерта III (XIX в. до н. э., Нью-Йорк, Метрополитен-музей), Аменемхета III (XIX в. до н. э., Москва, ГМИИ).
Наибольшее распространение в период Нового Царства получил тип храма прямоугольный в плане, имевший трёхчастное деление: открытый двор (перистиль), колонный зал (гипостиль), святилище.
Храм в Карнаке
Храм в Карнаке
Храм в Луксоре.
Вид с юго-запада
Храм в Луксоре
Во второй половине Нового Царства широко разворачивается строительство. Создаётся целый ряд заупокойных храмов, вырубленных в скалах. Среди них Большой храм Рамсеса II в Абу-Симбеле, вход в который выделен двадцатиметровыми статуями фараона, наделёнными чертами Рамсеса II (XIII в. до н. э.).
На дальнейшем развитии египетской культуры сказались многочисленные войны, приведшие к распаду государства.
Прекращается возведение усыпальниц, среди памятников этой эпохи наиболее известны скульптурные портреты.
Завоевания Александра Македонского в 332 г. до н. э. положили начало новому периоду в искусстве Древнего Египта, в художественной культуре которого переплелись традиции прошлого и античности[2].
По мнению археологов, ещё в IV тыс. до н. э. Балканский полуостров, острова Эгейского моря, западное побережье Малой Азии населяли так называемые эгейцы . Расцвет древней эгейской культуры приходится на 2 тыс. до н. э.
Самые известные археологические культуры этого периода — минойская (или критская) и микенская, по которым он и получил свое название (крито-микенский период), но есть также несколько локальных культур, в частности кикладская и эллинская.
Одним из древнейших центров эгейской культуры в III—II тыс. до н. э. стал остров Крит с главным городом — Кноссом. Греческая мифологическая традиция считала город Кносс резиденцией Миноса, могущественного владыки островов Эгейского моря. Жена Миноса, царица Пасифая, родила Минотавра, человекобыка, для которого Дедал построил в Кноссе лабиринт.
Расцвет критской культуры начинается после объединения племён, населявших Крит, во второй половине XVIII в. до н. э.
Самым знаменитым памятником критского зодчества стал Кносский дворец, раскопанный английским археологом Артуром Эвансом в нач. ХХ в. Площадь дворца около 16 тыс. кв. м. В критской культуре преобладали обширные дворцовые комплексы, не имевшие чётко продуманного плана, в отличие от строго симметричных форм Древнего Египта. Дворцовый комплекс в Кноссе представлял собой на первый взгляд хаотичную череду сотен небольших помещений (комнаты, парадные залы, царские апартаменты, святилища, площадки для культовых и театральных действий, бассейны). Эти помещения были расположены на разных уровных, благодаря чему свет, проникавший через световые колодцы, распределялся неравномерно, придавая живописный характер всему сооружению. Дворец в Кноссе несёт в себе признаки восточной пышности. В центре постройки находится большой прямоугольный двор (50 х 28 м), вытянутый с севера на юг, который был выложен плитами и имел, очевидно, обрядовое значение. Во многих залах Кносского дворца перекрытия поддерживались деревянными колоннами. Они имели необычную форму: ствол колонны расширялся снизу вврех. Тронный зал Кносского дворца был украшен эмблемой в виде обоюдоострой секиры - лабриса, священного символа жителей острова Крит. По названию этой секиры дворец называется Лабиринтом (Впоследствии лабиринтом стали называть постройки со сложной планировкой). С большим мастерством в Кносском дворце решена система канализации.
Стены критских дворцов покрыты покрыты яркими празднично-красочными декоративными росписями. Уже в середине 2 тыс. до н. э. критские мастера использовали различные краски: чёрную, белую, красную, жёлтую, синюю и зелёную. Стены Кноссого дворца были украшены изображениями его обитателей и животных, живущих рядом (кошек, обезьян, косуль). В росписях воссоздавался мир религиозных и мифологических образов, торжественные процессии, ритуальные танцы.
В помещениях царицы встречаются изображения женщин с высокими причёсками в нарядных декольтированных платьях. За гордую осанку и задорную улыбку одно из изображений получило название «Парижанка» (около 1500 г. до н. э.).
Если на Крите не найдены фортификационные (оборонительные) сооружения, то в Микенах и Тиринфе до наших дней сохранились величественные крепости, сооружённые в XIV—XIII в. до н. э.
Ахейцы создавали свои поселения на возвышенностях и окружали их мощным кольцом крепостных стен. Такой укреплённый город называли акрополем (что означает «верхний город»).
Неприступный акрополь Микен доминирует над окружающей его местностью. Мощные крепостные стены толщиной от 6 до 10 м охватывают город кольцом, диаметр которого 900 м. Центральный вход в Микенскую крепость — «Львиные ворота» — единственный известный образец монументальной скульптуры в эгейском искусстве. Над воротами находится рельефное изображение, вписанное в треугольник, в центре которого высится колонна — священный символ правителей Микен, а по сторонам застыли львы. Передними лапами опираясь на базу колонн, они они образуют симметричную, так называемую геральдическую композицию. От ворот к вершине холма вела дорога к царскому дворцу. В отличие от Кноссого дворца резиденция правителя Микен имеет строго продуманный план, отличающийся простотой и упорядоченностью архитектурного замысла. В центре дворца расположен мегарон — большой прямоугольный зал (12 х 13 м), служивший для праздничных пиршеств, собраний. В середине мегарона находился очаг, окружённый четырьмя колоннами, которые удерживали крышу с отверстием для дыма.
Аналогичные микенским архитектурные сооружения обнаружены и в Тиринфе. Грандиозное впечатление производит крепость, стены которой достигают 17,5 м в высоту. Богатый Тиринфский дворец является ещё одним образцом эгейской архитектуры. Стены дворцов были расписаны фресками, схожими с критскими образцами, но в них чувствуется другой стиль, меняется тематика: микенские мастера отдают предпочтение сценам охоты, воинских сражений, отражая характерные черты жизни воинственных ахейцев.
Наследие эгейской цивилизации сыграло существенную роль в развитии художественной культуры Древней Греции и Древнего Рима, являясь своеобразным связующим звеном между искусством Древнего Востока и античной культурой[2].
XI - IX вв. до н. э. в истории Греции учёные нередко называют тёмными веками. Основные источники информации о жизни греков-дорийцев, сменивших на Балканском полуострове греков-ахейцев — это материалы археологических раскопок и эпические поэмы «Илиада» и «Одиссея» Гомера, жившего по всей вероятности, уже в VIII в. до н. э. По имени поэта Гомера, жившего в конце древнейшего периода в истории Греции и называется первый этап исторического развития Эллады (так древние греки называли свою страну). Именно в этот период складываются основы греческой мифологии и народной эпической поэзии.
Архитектура и изобразительное искусство в XI-VIII вв. до н. э. не достигли художественного совершенства эпической поэзии. Монументальное зодчество того времени, сохранившееся в руинах, представляет собой переработку микенских архитектурных образцов, значительно уступающую оригиналам. Более высокого уровня достигает гончарное мастерство. Ему принадлежит ведущее место в развитии искусства Гомеровского периода.
В период архаики появились все важнейшие тенденции, характерные для зрелого искусства Древней Греции. В это время складывается рабовладельческое общество, в недрах которого появляются первые ростки демократии.
Развиваются наука, литература, философское мышление, театр. Наступает время первого расцвета греческого искусства. Складывается греческий архитектурный ордер (система пропорционального соотношения между несомыми и несущими частями постройки) ставший одним из важнейших элементов архитектурных сооружений последующих столетий.
Греческое зодчество периода архаики разрабатывает форму мегарона. Элементы микенской архитектуры прослеживаются не в дворцовых постройках, а в храмовом зодчестве. На смену примитивным идолам ахейцев пришли Олимпийские боги, мудрые и совершенные, таким же совершенным должен быть и храм — жилище богов. Светская архитектура отходит на второй план. Жилые постройки даже богатых горожан, сохранив прямоугольную форму мегарона, были непрочными и аскетически-скромными, напоминали хижины из тростника, обмазанного глиной. Все достижения архитектуры того времени как конструктивные, так и декоративные связаны со строительством храмов.
Храм, посвященный богу-покровителю города, строился на деньги города-полиса, и, таким образом, принадлежал всему обществу. Номинально оставаясь жилищем бога, он служил земным, общественным целям: был хранилищем городской казны, художественных ценностей, считавшихся достоянием всего города-полиса. Храм возводился на самом высоком месте, обычно на акрополе, доминируя над городскими постройками, в центре городской площади, служившей местом общественных собрании, празднеств, религиозных шествий.
В процессе развития греческого храмового зодчества сложилось несколько типов храмов. Наиболее древнейший и простейший из них — каменный (из известняка или мрамора) «храм в антах», состоявший из небольшого прямоугольного помещения-наоса. Храм имел один вход (с востока), обозначенный двумя колоннами, которые были помешены между выступами боковых стен — антами. Крыша храма была двускатной, покрытой черепицей.
Более совершенный тип храма — простиль с четырьмя колоннами на фасаде.
Амфипростиль имел уже два входа (в наос и в святилище), а колонны украшали два фасада: восточный и западный. Классическим, наиболее распространенным типом греческого храма стал периптер (что означает "оперенный") — прямоугольный храм, со всех сторон окруженный колоннами.
В результате длительной эволюции храма сложилась архитектурная система, впоследствии названная ордером (что означает "порядок").
Греческий архитектурный ордер состоял из следующих элементов: колонна, поставленная на базу или без базы, стоящая на стилобате (верхней плите каменного основания); колонну украшает капитель, на которую опирается несущая балка — архитрав, вместе с декоративным фризом и карнизом, образующие антаблемент. Двускатная крыша и карниз создавали треугольные фронтоны.
В эпоху архаики ордер сложился в двух вариантах: дорическом и ионическом.
Дорический периптер стоял на каменном основании — стереобате (обычно из трех ступеней). Колонна, украшенная вертикальными желобками — каннелюрами, не имела базы, её завершала простая по форме круглая подушка — эхин, над ней квадратная плита — абака. Фриз представлял собой чередование квадратных плит (метопы) и вертикально вытянутых плит (триглифы), метопы и фронтоны украшались скульптурными рельефами. По мнению греков, дорический ордер — воплощение идеи мужественности, строгости, простоты. Колонны дорических храмов впоследствии нередко заменялись мужскими фигурами (атлантами).
Ионический ордер был более легким, изящным, нарядным. Стройная колонна имела в основании базу и была украшена капителью в виде двух изящных завитков, которые называются волютами. Вдоль всего храма сплошной лентой шёл фриз, украшенный непрерывным изображением рельефа, так называемого зоофора. Колонны ионического ордера нередко заменялись женскими фигурами (кариатидами).
Позднее, в эпоху классики получил развитие третий ордер — коринфский, близкий по пропорциям ионическому, но ещё более стройный и праздничный. Изящная колонна коринфского ордера увенчана пышной колоколообразной капителью из стилизованных листьев растения аканта (или аканфа).
Греческий архитектурный ордер нашёл применение не только в античном зодчестве, а также стал основным элементом архитектуры Возрождения, барокко, классицизма. Восхищаясь сегодня мраморной белизной величественных руин древнегреческих святынь, мы забываем, что античные мастера покрывали храмы многоцветными росписями. Шедевры греческого зодчества гордились своим полихромным (многоцветным) убранством, блистая на солнце множеством красок: синей, красной, зелёной, золотой. Время уничтожило многоцветный наряд древних храмов, но даже время не властно над совершенством форм античных сооружений.
С первых десятилетий V в. до и. э. культура Древней Греции вступает в пору своего высшего расцвета, связанного с победой рабовладельческой демократии. Победа в греко-персидских войнах убедительно доказала преимущество общественного строя городов-полисов, способствовав росту гражданского самосознания, веры в силы человека-гражданина, принимающего активное участие в жизни своего государства. Рабовладельческая демократия привлекает к участию в общественной жизни всех свободных граждан.
V-IV века до н. э. — время расцвета греческого театра, для которого творили Эсхил, Софокл и Еврипид. Театр участвовал в воспитании граждан Древней Эллады, показывая путь к гармоничному развитию личности. Искусство воплотило в прекрасных художественных образах возможный результат этого развития — обобщенный образ человека-героя, соответствующий представлению древних греков об эстетическом и нравственном идеале.
Созданные в V-IV в. до н. э. творения архитекторов, скульпторов, живописцев стали образцами, которым подражали многие поколения мастеров в последующие века; их считали классическими, то есть образцовыми.
Наибольшее распространение в архитектуре периода ранней классики получают дорические храмы, соответствовавшие духу гражданственности, героики суровой эпохи. Строгая пропорциональность, упругость, весомость могучих форм отличает храм Геры в Пестуме (начало V в. до н. э.).
Храм Зевса в Олимпии, появившийся несколько позже, превосходит храм Геры своим праздничным декоративным убранством: его фронтоны украшают рельефные изображения. Храм Зевса с особой художественной силой выражает героические устремления народа. Он создавался после выдающихся побед нал персами и является лучшим образцом античной архитектуры раннего классицизма. К сожалению, храм Зевса не сохранился до наших дней, уцелели лишь сильно поврежденные скульптурные изображения фронтонов.
Кризис рабовладельческой демократии, падение полисов, трагические конфликты периода поздней классики привели к утрате в искусстве идеала свободного гражданина. Несколько упрощенный взгляд на явления жизни, свойственный Греции предыдущих эпох, сменили более сложные, более глубокие представления о реальной действительности, что приводит к значительным изменениям в искусстве. Художники разрабатывают проблему передачи противоречивых переживаний героя. Были достигнуты первые успехи в раскрытии внутреннего мира человека.
Продолжается развитие ордерной системы. Наряду с храмами большое распространение получает строительство театров.
К концу IV в. до н. э, огромная империя Александра Македонского распалась на отдельные эллинистические государства. Греция утрачивает свое былое могущество.
В искусстве эллинистической Греции основные достижения связаны с разработкой образа человека в монументальной скульптуре. Обобщенный образ идеала был вытеснен более конкретными образами, в которых подчеркивалось преувеличенное героическое начало, чувствовалась утрата внутреннего равновесия.
В сознании людей эпохи эллинизма складывается сложное отношение к действительности, которая зачастую выступает как сила, враждебная человеку, порой не способному противостоять ударам судьбы. Образы эпохи эллинизма несут в себе огромное эмоциональное напряжение и страстную патетику. Такими чертами наделен один из самых замечательных памятников эллинистической поры — «Ника Самофракийская» (около 190 г. до н. э., Париж, Лувр). Статуя богини из паросского мрамора была воздвигнута на острове Самотраки (Самофракия) в память о победе над флотом сирийского царя. Весь её облик, стройная крепкая фигура, уверенный шаг, гордый сильный взмах орлиных крыльев, создают ощущение ликующего торжества победы.
Наиболее близка к традициям греческой классики статуя Венеры Милосской (около 120 г. до н. э., Париж. Лувр). Её авторство приписывается скульптору Александру (Агесандру). Она рождает чувство гармонии, это идеал нравственной чистоты и физической красоты того времени.
Поражает мастерство обработки мрамора, которого достигают скульпторы эллинизма. Многое из художественного наследия Древней Греции было утрачено, но впоследствии художники всего мира обращались в своем творчестве к памятникам греческого искусства, подражая им, находя в них вдохновение, черпая сюжеты[2].
С угасанием эллинистических государств с конца I в. до н. э. ведущее значение в античной культуре приобретает римское искусство. История Древнего Рима охватывает период с VIII в. до н. э. по V в. н. э. Богатейшее культурное наследие, оставленное римлянами человечеству, сыграло значительную роль в развитии культуры последующих поколений.
В основе художественной культуры Древнего Рима лежит точность, реалистический подход, отсутствие стремления идеализировать действительность, свойственного искусству Древних Греков.
Искусство Древнего Рима питалось от нескольких источников, этим объясняется разнообразие его форм. Несомненно влияние художественных традиций завоёванных народов, местных италитских племен и в первую очередь, этрусков.
До сих пор ещё не разгадано точное происхождение этрусков. Считается, что они пришли в Италию в XI-VIII в. до н. э. из Малой Азии. Во главе городов-государств Этрурии стояли цари. Большое влияние на культуру этрусков оказала греческая цивилизация. Высокого уровня развития достигают архитектура, мелкая пластика (скульптура), техника бронзового литья. К памятникам искусства Этрурии относится знаменитая статуя Капитолийской волчицы, которая по легенде вскормила двух братьев-близнецов, основавших Рим в 754 г. до н. э.
Постепенно художники Этрурии все более заимствуют эстетические идеалы Древней Греции, однако не растворяясь под воздействием греческой культуры. Этрусские культурные традиции сыграли значительную роль в формировании искусства рабовладельческого Рима.
К концу VI в до н. э. Рим становится аристократической рабовладельческой республикой.
В республиканский период сложились основные типы римской архитектуры. Конструктивное решение монументальных инженерных сооружений соответствовало суровой прозе жизни в условиях постоянных войн. В Риме ещё в VIII в. до н. э. возводятся грандиозные крепостные системы. Создаются сложные инженерные сооружения: акведуки (система подачи воды на расстояние), мосты, гавани.
С распространением римского владычества в Греции ощущается воздействие утонченного искусства Эллады на культуру Древнего Рима. В архитектуре увлечение греческим искусством чувствуется в обращении к ордерной системе. Однако отношение к ордеру пересматривается: если в греческом зодчестве он имеет конструктивное значение (колонна является несущим элементом, опорой), то в римской архитектуре ордеру отводится декоративная роль (опорой служит стена).
Главное завоевание римлян в архитектуре — создание огромных внутренних пространств, свободных от опор; развитие мощных сводчатых и купольных конструкций. На рубеже III-II вв. до н. э. был изобретен прочный римский бетон, применение которого позволило осуществлять грандиозные замыслы, связанные с возведением огромных купольных перекрытий.
В жилищном строительстве создаются новые типы жилых построек: многоэтажные дома для бедноты (инсулы), городские дома богатых римлян (домусы) и виллы — загородные дома римского патрициата.
В конце I в. до н. э. римская аристократическая республика прекратила свое существование, на смену ей пришло время империи. Перед искусством Рима встала задача прославления императора и его власти.
Идея величия Рима, его избранности, нашла свое отражение прежде всего в грандиозных памятниках архитектуры. Императоры соперничали друг с другом, возводя общественные постройки, театры, административные здания.
Историк Светоний утверждал, что Август, получив Рим кирпичным, "оставляет его мраморным". Период правления Флавиев и Траяна (конец I - начало II в) — время появления грандиозных по пространственному размаху и архитектурному решению сооружений, архитектурных ансамблей.
Самое величественное зрелищное сооружение Древнего Рима — амфитеатр Флавиев Колизей — был построен в 75-90 гг. Колизей рассчитан на 50 тысяч зрителей, которые размещались во время проведения гладиаторских боев внутри огромной чаши амфитеатра, имевшего форму эллипса (156 х 198 м). В центре амфитеатра размещалась площадка покрытая песком, где проходили гладиаторские бои и травля зверей — арена ("арена" в переводе означает "песок"). Размеры арены позволяли выпускать одновременно до 3 тысяч пар гладиаторов. Основу сооружения составляют 80 радиально расходящихся стен из туфа и бетона. Основные конструктивные элементы — свод и арка.
Арки использовались и при строительстве акведуков, которые доставляли в города Империи чистую воду из далеких горных источников. Аркада использовалась для поддержания водопроводного канала. Лучше всех акведуков сохранился Гардский мост в Южной Франции, построенный в I веке — символ инженерного искусства римлян. Общая длина акведука — 50 км.
Столь излюбленная римлянами арка используется и для создания монументальных сооружений, возведенных в память о победах и триумфах императоров и полководцев. У входа на римский Форум в 81 году по поводу подавления восстания Иудеи установлена арка Тита.
В 118 -125 гг. в Риме было воздвигнуто одно из самых значительных сооружений Римской империи — храм Пантеон императора Адриана. Выстроенный Аполлодором Дамасским храм представляет собой образец центрально-купольной постройки. В Пантеоне в полной мере проявились высокие инженерные достижения и художественная гармония римской архитектуры. Композиция храма поражает своей простотой и ясностью. Глубокий восьмиколонный портик коринфского ордера украшает главный фасад. Высота здания 43,7 м, диаметр грандиозного купола почти равен высоте 43,2 м. Купол изнутри выполнен в виде точной полусферы. Простоте четких геометрических форм внутреннего пространства соответствует строгость убранства. Пантеон — самая грандиозная купольная постройка античности.
Аполлодор Дамасский, архитектор Пантеона, был также автором непревзойденного по композиции и богатству отделки архитектурного ансамбля Древнего Рима — Форума Траяна. В композицию вошли общественные постройки (здания рынка, библиотеки), храм Траяна.
В I в. появляется новый тип общественных зданий — термы — общественные бани, рассчитанные на 2-7 тысяч человек. Они представляли собой огромный комплекс с множеством помещений (бассейны, вестибюли, парадные залы, библиотеки и др.) До наших дней сохранились грандиозные руины терм императора Каракаллы (211-216 гг.). площадь которых около 11 га.
Ещё один тип общественных построек активно разрабатывался в Риме эпохи Империи — базилика. Прямоугольная в плане постройка базилики, внутреннее помещение которой делилось колоннами или аркадой на несколько продольных помещений (нефов) использовалась для судопроизводства и заключения торговых сделок. После признания христианства государственной религией в 313 г. началось строительство христианских храмов, перенявших форму базилики.
Римское искусство завершает большой период античной художественной культуры. В 4 - 7 в. Рим опустел, разгромленный варварами, римская цивилизация прекратила свое существование, но художественные образы, архитектурные формы, созданные римскими мастерами, ещё долгие века вдохновляли художников, скульпторов и зодчих последующих поколений. Великий инженерный опыт римлян — был тем опытом, который усвоило человечество чтобы двигаться дальше по пути прогресса[2].
Византия — государство, образовавшееся в 395 г. на основе Восточной Римской Империи и просуществовавшее до 1453 г. — была одним из важнейших центров средневекового искусства. Географически и исторически будучи частью великой римской цивилизации, Византия не могла в своём развитии не опираться на многовековой опыт античного мира. Переход к средневековому искусству осуществлялся на основе преемственной связи с античной культурной традицией.
В центре внимания художника, как и в античности, находится человек, воплощённый в образах Священного Писания. Эстетическим идеалом Византии становится Вс-вышний — источник красоты, душевного равновесия, превосходящий всё прекрасное.
Оставаясь в центре внимания художников Византии, образ человека приобретает новое содержание. На смену искусству, побуждавшему преклоняться перед физической и нравственной красотой идеального человека, пришло искусство, стремящееся возвысить прежде всего чувства, нравственные качества и духовную силу человека.
Византийское искусство достигает своего первого расцвета при императоре Юстиниане I (527—565 гг.). Главным художественным центром Византийской империи становится её столица — Константинополь. Сюда стекаются лучшие научные и художественные силы, здесь разрабатываются новые формы искусства.
Ведущая роль в византийском зодчестве V—VII вв. принадлежит архитектуре храмов и монастырских ансамблей. Главным образом разрабатываются два типа храмов: продольно-базиликальный и центрально-купольный.
Архитекторы Византии работают над проблемой увеличения внутреннего пространства храма с целью вмещения большего числа верующих. Создаётся новый тип тип культовых построек, объединивший конструктивные особенности базилики и центрально-купольного храма — купольная базилика. Своё гениальное воплощение новый тип храма получил в грандиозном соборе Софии в Константинополе (532—537 гг.). По замыслу императора Юстиниана, архитекторы Анфимий из Тралл и Исидор из Милета должны были создать главный храм христианского мира, выразить в архитектуре «непостижимость и неизречённость» христианского восприятия Вселенной, воплотить идею могущества империи и блестящего правления императора.
Храм посвящён Софии — христианской мученице, по преданию, казнённой во II веке в Риме вместе с дочерьми, имена которых в переводе с греческого означают «Вера», «Надежда», «Любовь».
План Софии Константинопольской представляет собой слегка вытянутый прямоугольник, в центре которого выделен квадрат с мощными уступами, перекрытый грандиозным куполом (диаметр 31,5 м), нагрузка распора которого передаётся на массивные устои через паруса (вогнутые сферические треугольники), представляющие переход от формы купола к квадрату нефа.
Внешний облик храма с преобладающим над ним куполом аскетически суров, в то время как внутреннее убранство собора поражает разнообразием формы и цвета.
Стены покрыты полированным серо-зелёным и розовым мрамором. Своды и купола украшают мозаики. Ныне собор Софии Константинопольской является главной мечетью Стамбула «Айа-Суфия».
Возрастает роль интерьеров храмов, формируются новые принципы синтеза искусств, складывается иконография Священного Писания, впоследствии ограниченная строгими канонами официальной церкви. Устанавливаются жёсткие правила изображения фигур, ликов, атрибутов, одежды. Система размещения изображений была также строго определена.
В архитектуре Византии IX—XIII вв. наибольшее распространение получает строительство монастырских ансамблей. Центром архитектурной композиции монастыря был главный храм (так называемый кафоликон, или каталикон). Господствующим типом храма стал крестово-купольный, прямоугольные помещения которого, перекрытые обычно цилиндрическими сводами, составляли в плане равноконечный крест; в средокрестии размещался купол на световом барабане. Примером такой постройки может служить кафоликон монастыря Осиос Лукас в Фокиде (ок. 1200 г.).
Рациональность и несложность конструктивного решения, прочность и устойчивость, завершённость композиции способствовали распространению крестово-купольных храмов за пределами Византии.
Конфликт между иконоборцами, отвергавшими возможность изображения Вс-вышнего в облике человека, и иконопочитателями, длившийся с 726 по 843 гг., привёл к некоторому спаду в развитии живописи.
С победой официальной церкви, выступавшей на стороне иконопочитателей, возрождается сюжетная изобразительная живопись.
В IX—X вв. росписи уже заплняют все поверхности интерьера храма: в куполе изображался Христос-Пантократор, в четырёх парусах — евангелисты, в апсиде Дева Мария и так далее.
Мастерство художников совершенствуется, усложняется воспроизводимый образ.
Во второй половине XI—XII вв. утверждается классический торжественный византийский стиль, для которого свойственны изображения фронтально сидящих фигур со строгими аскетичными лицами на золотом фоне. Материальность созданного облика отступает на второй план. в центре внимания художника — разработка духовной глубины образа.
В XII—XIV вв., при Палеологах, византийское искусство переживает свой последний расцвет.
Линейный стиль в росписи уступает место живописному, колористически богатому. Условность, оторванность изображения от пространственной среды исчезают. Фигуры, рассматриваемые с нескольких точек, изображены в движении, во взаимодействии со средой и обстановкой. Выразительные жесты, человеческие чувства, запечатлённые на лицах, придают изображения жизненность. Таковы, например, мозаики и фрески монастыря Хора (Константинополь, 1312-20 гг.).
В истории мировой культуры византийское искусство сыграло значительную роль. Его влияние ощущается в средневековом искусстве Европы, южных славян, Древней Руси, Закавказья[2].
Романский стиль (от лат. romanus — римский) — художественный стиль, господствовавший в Западной Европе (а также затронувший некоторые страны Восточной Европы) с сер. X века по XII век (в ряде мест — и в XIII веке), один из важнейших этапов развития средневекового европейского искусства.
Термин «романский стиль» появился только около 1820 г.[3], когда была установлена связь архитектуры XI—XII веков с древнеримской архитектурой (в частности, использование полуциркульных арок, сводов). В целом, термин условен и отражает лишь одну, не главную, сторону искусства. Однако он вошёл во всеобщее употребление.
Основной вид искусства романского стиля — архитектура, преимущественно церковная (каменный храм, монастырские комплексы). Самые ранние дошедшие до нашего времени сооружения из камня были построены в X в. Хотя на протяжении 300 лет архитектурные формы развивались и становились сложнее и богаче, однако они сохраняли сходство с прототипом, поэтому весь период объединен понятием — романское искусство.
Романский период на территории Европы приходится на время господства феодального строя, основой которого было сельское хозяйство. Первоначально все земли принадлежали королю, он распределял их между своими вассалами, а те, в свою очередь, раздавали её для обработки крестьянам. За пользование землей каждый был обязан платить налоги и нести воинскую службу. Привязанные к земле крестьяне содержали господ, которые в свою очередь служили в войсках короля. Таким образом, возникли сложные взаимозависимые отношения между господами и крестьянами, причем крестьяне находились на нижней ступени общественной лестницы.
Поскольку каждый феодал стремился расширить свои владения, то конфликты и войны велись практически постоянно. В результате центральная королевская власть теряла свои позиции, что приводило к раздробленности государств. Несмотря на то, что духовенство было втянуто в феодальные распри и столкновения между императором и папой римским, материальное и идеологическое значение церкви постоянно возрастало, так как и господа, и крестьяне в равной степени придерживались христианской веры. В период раннего средневековья монастыри были центрами духовной и культурной жизни, а блистательные епископские соборы одновременно представляли королевскую власть.
Архитектурные сооружения романского периода представляют собой массивные геометрические объёмы, поверхности стен прорезаны маленькими окнами, орнамент используется редко. Основными постройками в этот период становятся храм-крепость и замок-крепость. Главным элементом композиции монастыря или замка становится башня — донжон. Вокруг неё располагались остальные постройки, составленные из простых геометрических форм — кубов, призм, цилиндров.
Для романских построек характерно сочетание ясного архитектурного силуэта и лаконичности наружной отделки — здание всегда гармонично вписывалось в окружающую природу, и поэтому выглядело особенно прочным и основательным. Этому способствовали массивные стены с узкими проёмами окон и ступенчато-углубленными порталами.
Особенности архитектуры романского собора:
В XI и XII вв. в результате развития способов обработки земли в Средней Европе возросли урожаи[3]. В связи с этим часть сельского населения стала специализироваться на ремесленном производстве и в торговле, освободившись от влияния феодалов и создав самостоятельные коммуны. Так внутри феодального общества возник новый класс — городская буржуазия, чья власть основывалась на движимом имуществе, прежде всего на деньгах. Этот класс стал двигателем экономического и культурного прогресса.
В городах развернулось, возникнув в Северной Франции, широкое строительство. Новый архитектурный стиль получил название готики. Это название было предложено в XV в. итальянскими теоретиками искусства, выразившими таким образом свое отношение к казавшейся им варварской архитектуре Западной и Средней Европы. Характерная особенность готического стиля — стрельчатый свод, состоящий из двух пересекающихся друг с другом сегментных дуг. В результате своей вариабельности стрельчатый свод по многим позициям конструктивно превосходил полуциркульный свод. Массивная каменная кладка свода в раннем средневековье сменилась ажурными каменными конструкциями, чьи подчеркнуто вертикальные опоры и колонны переносят собранные в пучок статические нагрузки на фундаменты.
Средневековое население деревень и городов, которых в XIV в. насчитывалось несколько тысяч, было глубоко религиозным, поэтому основное предпочтение отдавалось строительству культовых зданий. В то время, как орден цистерианцев поддерживал традицию строительства монастырей в деревнях (например, в Хорине, Доберане и Одентале близ Кельна), в городском строительстве соперничали епископы, горожане и так называемые нищенствующие ордены. Число башен в монастырях уменьшилось, правила ордена вообще запрещали монастырям строить башни, однако высота и размеры нефов соборов превосходили все известные сооружения романского периода.
Готический стиль, в основном, проявился в архитектуре храмов, соборов, церквей, монастырей. Развивался на основе романской, точнее говоря — бургундской архитектуры. В отличие от романского стиля, с его круглыми арками, массивными стенами и маленькими окнами, для готики характерны арки с заострённым верхом, узкие и высокие башни и колонны, богато украшенный фасад с резными деталями (вимперги, тимпаны, архивольты) и многоцветные витражные стрельчатые окна. Все элементы стиля подчёркивают вертикаль.
До начала XIV в. преобладала форма базилики. Со временем, особенно в городах, наиболее распространенной стала зальная форма, равновеликие нефы которой сливались внутри в единое пространство. Наряду с церковными мистериями в огромных культовых помещениях проводились и народные праздненства, городские собрания, театральные представления, в них велась торговля.
Развитие городов привело к возникновению новых типов сооружений. На рыночной площади появились здания ратуши, цехов и гильдий, требовались здания для торговли мясом и мануфактурой, склады и торговые дома. Возводились арсеналы, строительные дворы, школы и больницы. Но прежде всего горожане защищали себя и свое имущество от конкурирующих соседей и нападений феодалов, строя вокруг города стены и башни. Немецкий рыцарский орден строил мощные крепости для утверждения своего господства над населением завоеванных областей Северной и Восточной Европы.
В готической архитектуре выделяют 3 этапа развития: ранний, зрелый (высокая готика) и поздний (пламенеющая готика).
Церковь монастыря Сен-Дени, созданная по проекту аббата Сугерия, считается первым готическим архитектурным сооружением. При её постройке были убраны многие опоры и внутренние стены, и церковь приобрела более грациозный облик по сравнению с романскими «крепостями Б-га». В качестве образца в большинстве случаев принимали капеллу Сент-Шапель в Париже.
Из Иль-де-Франс (Франция) готический архитектурный стиль распространился в Западную, Среднюю и Южную Европу — в Германию, Англию и т. д. В Италии он господствовал недолго и, как «варварский стиль», быстро уступил место Ренессансу, а поскольку он пришёл сюда из Германии, то до сих пор называется «stile tedesco» — немецкий стиль.
С приходом в начале XVI века Ренессанса севернее и западнее Альп, готический стиль утратил своё значение.
Почти вся архитектура готических соборов обусловлена одним главным изобретением того времени — новой каркасной конструкцией, что и делает эти соборы легко узнаваемыми.
Архитектура Возрождения — период развития архитектуры в европейских странах с начала XV до начала XVII века, в общем течении Возрождения и развития основ духовной и материальной культуры Древней Греции и Рима. Этот период является переломным моментом в истории архитектуры, в особенности по отношению к предшествующему архитектурному стилю, к Готике. Готика в отличие от архитектуры Возрождения искала вдохновение в собственной интерпретации Классического искусства.
Особенное значение в этом направлении придаётся формам античной архитектуры: симметрии, пропорции, геометрии и порядку составных частей, о чём наглядно свидетельствуют уцелевшие образцы римской архитектуры. Сложная пропорция средневековых зданий сменяется упорядоченным расположением колонн, пилястр и притолок, на смену несимметричным очертаниям приходит полукруг арки, полусфера купола, ниши, эдикулы.
Развитие Архитектуры Возрождения привело к нововведениям в использовании строительных техник и материалов, к развитию архитектурной лексики. Важно отметить, что движение возрождения характеризуется отходом от анонимности ремесленников и появлением персонального стиля у архитекторов. Известно немного мастеров построивших произведения в романском стиле, также как и архитекторов, соорудивших великолепные готические соборы. В то время как произведения эпохи Возрождения, даже небольшие здания или просто проекты были аккуратно задокументированы с самого своего появления.
Первым представителем данного направления можно назвать Филиппо Брунеллески, работавшего во Флоренции, городе, наряду с Венецией считающимся памятником Возрождения. Затем оно распространилось в другие итальянские города, во Францию, Германию, Англию, Россию и другие страны.
Архитектура барокко — период в развитии архитектуры стран Европы и Америки (особенно в Центральной и Южной), охвативший примерно 150—200 лет. Период начался в конце XVI века и завершился в конце XVIII. Барокко (как стиль) охватило все виды искусства, но наиболее ярко отразилось в живописи, театре (и связанной с ним литературе, музыке) и архитектуре.
В XVII в. активно развивались экономика и искусство европейских стран. Особенно окрепли колониальные державы Атлантики — от Испании до Великобритании; Франция считалась образцовой страной абсолютистских форм правления и практичной экономической политики.
В территориально раздробленной Италии благодаря движению Контрреформации Рим приобрел новое значение, а строительство культовых зданий получило сильный импульс. Большое влияние оказывал французский абсолютизм Людовика XIV. Каждый феодал — как ни мала была принадлежавшая ему территория — копировал свою резиденцию с Версаля. И каждый католический епископ или аббат надеялся, возводя в подражание Риму, куполообразную церковь упрочить влияние контрреформаторских тенденций.
Основой экономики этого периода было сельское хозяйство, но было ясно, что его недостаточно для осуществления строительных программ. В связи с этим крупные феодалы начали помогать созданию мануфактур, чем самым способствовали развитию капиталистических производственных отношений. Несмотря на то что европейская архитектура XVII—XVIII вв. не представляется единообразной, будучи динамичной в Италии, серьёзной во Франции, она объединена общим понятием «барокко». Это слово взято из итальянского языка и означает «причудливый».
Архитектурные формы барокко наследовали итальянскому Ренессансу, однако превзошли его по сложности, многообразию и живописности. Сильно раскрепованные фасады с профилированными карнизами, с колоссальными на несколько этажей колоннами, полуколоннами и пилястрами, роскошными скульптурными деталями, часто колеблющимися от выпуклого к вогнутому, придают самому сооружению движение и ритм. Ни одна деталь не является самостоятельной, как это было в период Ренессанса. Все подчинено общему архитектурному замыслу, к которому относятся оформление и украшение интерьеров, а также садово-парковой и городской архитектурной среды.
Княжеские замки и культовые здания были первоочередными объектами строительства, олицетворявшими сопротивление Реформации, города-резиденции и монастыри — необходимыми дополнениями. Значительных общественных зданий зарождающийся класс буржуазии ещё не строил[3].
Архитектурный стиль рококо появился во Франции во времена регентства (1715—1723) и достиг апогея при Людовике XV, перешёл в другие страны Европы и господствовал в ней до 1780-х годов. Стиль рококо был продолжением стиля барокко или, точнее сказать, его видоизменением, соответствовавшим жеманному, вычурному времени. Он не внёс в архитектуру никаких новых конструктивных элементов, но пользовался старыми, не стесняя себя при их употреблении никакими традициями и имея в виду, главным образом, достижение декоративной эффектности.
Асимметричный рокайльный орнамент этого периода дал название стилю — «рококо»[3].
Так сложилось, что эпоха рококо прошла под знаком правления женщин, особенно в России, где в это время наступила эпоха женщин-императриц. Элементы рококо появились в ансамбле Большого Екатерининского дворца, заложенном при Екатерине I и расширенном при Елизавете Петровне. В Австрии по указанию императрицы Марии Терезии построен ансамбль Шёнбруннского дворца.
Маркиза де Помпадур была женщиной-символом того времени. Дочь лакея, возвысившаяся до уровня роскошной и расточительной фаворитки короля Людовика XV, она была меценаткой и активно покровительствовала искусству: «Целые отрасли художественного производства достигли высокого расцвета при её ближайшем участии (например, она взяла под свою опеку завод по производству фарфора в Севре), не говоря уже о личном покровительстве маркизы ведущим мастерам эпохи»[4]. Расточительность маркизы де Помпадур стала причиной народных волнений в 1747—1748 гг., поскольку содержание её дворца обходилось государству в сумму, превышающую 8 млн ливров, при этом 4 млн ливров было потрачено на театр и придворные праздники.
Рококо — это закат барокко, связанный с закатом аристократической дворянской культуры Франции. А в то же время, параллельно с этой культурой, уже существовала рациональная и деловая культура нового класса — буржуазии. Начался век Просвещения и Разума[1].
В 1850-х гг. стиль рококо подвергается критике за манерность, излишнюю декоративность, вычурность. Этот стиль не соответствовал идеям радикализма, ставшего популярным во французском обществе середины XVIII в. Внимание архитекторов вновь привлекают спокойные и уравновешенные формы античной архитектуры[2].
Главной чертой архитектуры классицизма было обращение к формам античного зодчества как к эталону гармонии, простоты, строгости, логической ясности и монументальности. Архитектуре классицизма в целом присуща регулярность планировки и четкость объемной формы. Основой архитектурного языка классицизма стал ордер, в пропорциях и формах близкий к античности. Для классицизма свойственны симметрично-осевые композиции, сдержанность декоративного убранства, регулярная система планировки городов.
Архитектурный язык классицизма был сформулирован на исходе эпохи Возрождения великим венецианским мастером Палладио и его последователем Скамоцци. Принципы античного храмового зодчества венецианцы абсолютизировали настолько, что применяли их даже при строительстве таких частных особняков, как вилла Капра. Иниго Джонс перенёс палладианство на север, в Англию, где местные архитекторы-палладианцы с разной степенью верности следовали заветам Палладио вплоть до середины XVIII века.
К тому времени пресыщение «взбитыми сливками» позднего барокко и рококо стало накапливаться и у интеллектуалов континентальной Европы. Рождённое римскими зодчими Бернини и Борромини барокко истончилось в рококо, преимущественно камерный стиль с акцентом на отделке интерьеров и декоративно-прикладном искусстве. Для решения крупных градостроительных задач эта эстетика была малоприменима. Уже при Людовике XV (1715-74) в Париже строятся градостроительные ансамбли в «древнеримском» вкусе, такие как площадь Согласия (арх. Жак-Анж Габриэль) и церковь Сен-Сюльпис, а при Людовике XVI (1774-92) подобный «благородный лаконизм» становится уже основным архитектурным направлением.
В 1755 г. Иоганн Иоахим Винкельманн писал в Дрездене: «Единственный путь для нас стать великими, а если возможно и неподражаемыми, — это подражать древним».
Этот призыв обновить современное искусство, пользуясь красотой античности, воспринимаемой как идеал, нашёл в европейском обществе активную поддержку. Прогрессивная общественность видела в классицизме необходимое противопоставление придворному барокко. Но и просвещенные феодалы не отвергали подражание античным формам. Эпоха классицизма совпала по времени с эпохой буржуазных революций — английской в 1688 г., французской — через 101 год. В Германии этот процесс задержался до середины XIX в., чему способствовала раздробленность страны на мелкие княжества.
Стремление претворить в современное строительство благородную простоту и спокойное величие античного искусства вели к желанию полностью скопировать античную постройку. То, что у Фридриха Жилли осталось как проект памятника Фридриху II, по приказу Людвига I Баварского было осуществлено на склонах Дуная в Регенсбурге и получило название Вальхалла (Walhalla — Чертог мертвых).
Центрами строительства в стиле классицизма стали княжеские дворцы-резиденции. Но дворцы уже не были главным объектом строительства. Виллы и загородные дома уже невозможно было от них отличить. В сферу государственного строительства были включены общественные сооружения — театры, музеи, университеты и библиотеки. К ним добавились здания социального назначения — больницы, дома для слепых и глухонемых, а также тюрьмы и казармы. Картину дополняли загородные поместья аристократии и буржуазии, ратуши и жилые дома в городах и деревнях.
Строительство церквей уже не играло первоочередной роли, однако в Карлсруэ, Дармштадте и Потсдаме были созданы замечательные сооружения, хотя при этом и велась дискуссия, подходят ли языческие архитектурные формы для христианской обители.
Архитектуру модерна отличает отказ от прямых линий и углов в пользу более естественных, «природных» линий, использование новых технологий (металл, стекло).
Как и ряд других стилей, архитектуру модерна отличает также стремление к созданию одновременно и эстетически красивых, и функциональных зданий. Большое внимание уделялось не только внешнему виду зданий, но и интерьеру, который тщательно прорабатывался. Все конструктивные элементы: лестницы, двери, столбы, балконы — художественно обрабатывались.
Одним из первых архитекторов, работавших в стиле модерн, был бельгиец Виктор Орта (1861—1947). В своих проектах он активно использовал новые материалы, в первую очередь, металл и стекло. Несущим конструкциям, выполненным из железа, он придавал необычные формы, напоминающие какие-то фантастические растения. Лестничные перила, светильники, свисающие с потолка, даже дверные ручки — все тщательно проектировалось в едином стиле. Во Франции идеи модерна развивал Эктор Гимар, создавший, в том числе, входные павильоны парижского метро.
Ещё дальше от классических представлений об архитектуре ушёл Антонио Гауди. Здания, сооружённые им, настолько органически вписываются в окружающий пейзаж, что кажутся делом рук природы, а не человека.
Архитектурный модернизм (фр. modernisme, от фр. moderne — новейший, современный; «англ. modern» — современный, новый) — движение в архитектуре двадцатого века, переломное по содержанию, связанное с решительным обновлением форм и конструкций, отказом от стилей прошлого. Охватывает период с начала 1900-х годов и по 70-е—80-е годы (в Европе), когда в архитектуре возникли новые тенденции. В специальной литературе термину «архитектурный модернизм» соответствуют английские термины «modern architecture», «modern movement» или же «modern», употребляемые в том же контексте.
Кредо архитектурного модернизма заложено в самом его названии — это созидание нового, чего-то такого, что соответствовало бы сегодняшнему дню. То есть, присутствует принципиальная установка на новизну архитектуры, — как конструктивных и планировочных идей, закладываемых в проекте, так и внешних форм. Образное выражение «призмы из бетона и стекла» хорошо передает общий характер построек модернизма.
Основные принципы архитектурного модернизма:
Конструктивизм — советский авангардистский метод (стиль, направление) в изобразительном искусстве, архитектуре, фотографии и декоративно-прикладном искусстве, получивший развитие в 1920 — нач. 1930 годов.
Характеризуется строгостью, геометризмом, лаконичностью форм и монолитностью внешнего облика. В 1924 году была создана официальная творческая организация конструктивистов — ОСА, представители которой разработали так называемый функциональный метод проектирования, основанный на научном анализе особенностей функционирования зданий, сооружений, градостроительных комплексов. Характерные памятники конструктивизма — фабрики-кухни, Дворцы труда, рабочие клубы, дома-коммуны указанного времени.
В Европе произошло изменение отношения к историческому наследию, детальное его изучение для реставрации и реконструкции. В Америке сформировался как язык коммерческой рекламы, который несёт информацию для обывателей, работает на задачи постиндустриального общества. Зародился в США, так как здесь протест против модернизма был особенно резким. Точкой отсчёта стала монография Роберта Вентури «Сложность и противоречия в архитектуре» (1966). В Европе биеннале, посвящённое постмодернизму (Пауло Партагезе).
Отрицание модернизма. Архитектура — средство духовной коммуникации; опирание архитектуры на многозначность современного опыта. Использование принципа декорированного сарая. Накладки любого стиля на здания. В градостроительстве это отказ от свободной и предпочтение регулярной системе застройки. Отказ от плоских крыш. Возрождение понятий ансамбля среды и фасада, желание найти местное региональное своеобразие; новое отношение к пространству. Оно становится традиционным, бесконечным, интегрированным. Типы построения: симметрия, пропорциональность и перспектива. Течения: постмодернизм, историзм (усиление исторического течения). Вырабатывается новое отношение к цвету, использование символов. Воспроизведение исторических прототипов. Метафизическая метафора индивидуальности человека.
Регулярная система застройки. Метафора индивидуальности человека.
Радикальное обновление языка архитектуры под влиянием технического прогресса. Символическое отражение века «высоких технологий». Демонстративный супертехницизм. Применение металлических наружных ограждающих конструкций и стекла.
Два формообразующих аспекта: широкое использование производства, основанное на нерасчленённости функциональных площадей и высокотехничные средства осуществления метафоры и образа здания-машины. Введение символических форм в промышленность и технологию. Создание большого количества индивидуальных объектов, использование работающих технических устройств как знаков.
Вынос коммуникаций и конструкций на фасад, структурные плиты, металлические арки, купола, висячие и подвесные системы. Функциональность пространства. Полностью стеклянные фасады и сочетание светопрозрачных элементов с непрозрачными.
Манифест деконструктивизма — 1988 г.
Термин «деконструкция» введён французским философом Жаком Дерридой (1930—2004) в его работе «О грамматологии» (1967). Деконструктивизм возник как литературно-критическое направление Йельской школы в 1979 и позже был распространён на сферы науки, религии, искусства. В 1988 г. в Нью-Йорке проведена выставка «Архитектурный деконструктивизм» и провозглашён манифест деконструктивистов. Основателем направления стал Питер Эйзенман, участниками стали Фрэнк Гери, Даниэль Либескинд, Рем Коолхаас, Заха Хадид, Бернар Чуми, группа Coop Himmelb(l)au. В архитектуре декона в значительной мере используется опыт российского авангарда 1920-х гг.
Преобладание пространства, а не массы. Наложение планов и карт различного масштаба, различных направлений планировочной сетки. Разрушение «идеи места». Декон — это автономное архитектурное мышление, попытка освободить архитектуру от материальности — гегемонии функциональности, тектоники, стоечно-балочной структуры.
Наложение сетки. Атектоничность. Децентрализация. Фрагментация. Незавершённость. Криволинейность. Случайность. Пространство как материал архитектуры. Создание драматичных, иррациональных пространств.
С 1990-х гг. происходят поиски нового образа. Дигитальная архитектура отрицает фрагменты, симметрию. Архитекторы опираются на развитие науки. Целостность эфемерна. Для создания тайны используют фактуру, текстуру, технологии. Дигитальная архитектура возникала как реклама технологии одной фирмы — павильоны, где всё движется, изменяется, прогресс налицо.
Форма, которая не вписывается в декартову систему координат, не описывается изометрически. Нелинейная архитектура. Эффект нестабильности, неравномерности. Здание трактуется как живой организм. Архитектура отрывается от контекста. Иллюзии, образы. Концепция движения, процесс проектирования — характер анимации (простран. -временн.). Необходимость ориентироваться на новейшие дигитальные технологии. Описание формы через категории времени. «Школа рыб» — теория: человек наблюдает за нестабильностью структур, которые гибко реагируют на изменение ситуации. Постоянно изменяющиеся формы, многообразие состояний, нестабильность форм, иррациональное представление о пространстве. Теория складки — идея движения через пространство. Одна поверхность образует открытое и закрытое пространство. Теория потоков — новый порядок, основанный не на форме, а на ментальности (поток людей, транспорта, информации).
Аморфность форм, неравномерность. Трактовка объекта как живого организма. Концепция движения, потоков. Постоянное изменение объекта.
Обзор
Участник:Сингелейцев Михаил/История архитектуры.
.jpg){kind=link}
